Oliver Mark

MUSEO 
Kanya Kage Art Space Berlin
October 7th, 2021 from 7:00 p.m. to 10:00 p.m. until November 14th, 2021

 

Till Schröder, Editor-in-Chief of  Marginalien  and owner of Gretanton Verlags

Authors know the fear of the blank page, the disapproving blink of the cursor, frozen in place. Painters know it too, the horror vacui, the panic when faced with the emptiness of a blank canvas. Photographers tend not to because there is always a counter-image in the viewfinder. It doesn't have to be beautiful, but it's there – unless of course, you forget to charge the battery or forget the shutter cap. Of course, this would never happen to a serious daguerreotypist.

            Oliver Mark is tackling exactly this blankness – and doing it in the midst of art’s holiest temples, the museums and galleries. The places where blockbusters of art history usually hang exalted on the walls for pleasant contemplation. As a rule, the painting is placed at the center of the vanishing line, at eye level to the viewer, and typically in a heavy, decorative frame – as if the eye did not have enough visual guidance already. The painting is forced upon the viewer. And like airport architecture, the visitor's path inevitably always ends up in the duty-free section of the canon of art, the artwork itself filling the spectrum of perception. It cannot be overlooked.

            Mark, however, does overlook it, he positions his camera at floor level and takes pictures from a worm’s eye view, using only his wallet as a tripod. The angle of the lens and thus the view field is adjusted by adding or removing a few coins. If this is not a razor-sharp analysis of the art market and a biting critique of the interpretive sovereignty of money, then I'll eat a critical complete edition of Bazon Brock. Or, maybe Mark just stumbled and fell, or found himself in the micro-world of the micro-verse like the physically shrinking protagonist in Jack Arnold's classic film about 1950s paranoia, “The Incredible Shrinking Man.” Or, maybe Mark’s back just hurts and he’s making the best of the situation before getting to the osteopath. But I digress.

            Regardless of how he arrived at this view field, his photographs alter our perception. Suddenly, other details move into the spotlight: electrical outlets, protective grilles, humidifiers, fire hoses, emergency exit signs, baseboards, spacers, and emptiness. The unexcitingness of whitewashed monochrome walls, cracked edges, or dark-colored walls that reveal only a small segment of the painting that the wall was built for. Instead of contemplating a de Chirico, I lose myself in the Capri blue of the wall paint dominant in the photograph. Just not acknowledging anything, just enjoying the chill-out zone of the Pantone rave, ignoring the gravitas of the painting, taking in the emptiness with my eyes.

            This has more than a meditative effect, it recontextualizes the art. The moment you become aware of the supporting mechanisms of the presentation modus – the movable walls, barriers, motion detectors, benches – Benjamin's aura of the original disappears. The work of art appears as a commodity alongside others: here a socket, there a Renaissance. One recognizes again that art functions similarly to paper money: Its artifacts are charged with meaning, but their material value is often relatively low. Their value lies in the common agreement that the art work in question is of relevance.

            And in the angle of view. We are a visually driven species. Out of sight out of mind does not only apply to small children. We construct reality through the optic nerve much more than through feeling or hearing. The Iconic Turn and all that. If you take away the icons from the Iconic Turn, would it still exist? Or does Wazlawick's verdict, that we cannot not communicate, also apply to art? You cannot not depict. Does that make Malevich's Black Square naturalism, symbolism, abstraction or a preliminary study for the color swatches in the printing industry? We are fascinated by the magic of the simple, solid tone. Our brain is always searching for recognizability, and the absence of pattern is jarring. Staring at the wall: Oliver Mark has given new meaning to the idiom – and has made me want to view everything from a cross-legged seated position the next time I visit a museum.

 

Leerstunde 

Till Schröder, Chefredakteur der Marginalien und Inhaber des Gretanton Verlags

Autoren kennen das, die Angst vor dem leeren Blatt, das vorwurfsvolle Blinken des Cursors, der auf der Stelle wie festgefroren verharrt. Maler kennen ihn auch, den Horror vacui, die Panik angesichts der Leere einer unberührten Leinwand. Fotografen eher nicht, schliesslich zeigt der Sucher stets ein Gegenbild. Muss ja nicht schön sein, aber ist eben da – leerer Akku oder vergessene Verschlusskappe mal außen vorgelassen. Sowas passiert einem seriösen Daguerreotypisten natürlich nicht.

            Oliver Mark nun packt die Leere bei den Hörnern – und das mitten in den Tempeln der Kunstehrfurcht. An den Orten, in denen gewöhnlich die Blockbuster der Kunstgeschichte zur gefälligen Betrachtung altarisiert an den Wänden hängen – Museen und Galerien. Das Gemälde steht im Zentrum der Fluchtlinie, auf Augenhöhe der Betrachter, meist in ornamentschweren Rahmen, als würde das Auge nicht schon genug Blickführung erfahren. Das Bild wird dem Betrachter aufgezwungen. Flughafenarchitekturen ähnelnd endet der Weg des Besuchers unweigerlich im Duty-free-Shop des Kunstkanons, das Kunstwerk an sich füllt das Wahrnehmungsspektrum. Man kann eigentlich nicht vorbeischauen.

            Mark aber schaut vorbei, er positioniert seine Kamera auf Fussbodenhöhe und knipst aus Froschperspektive, einzig sein Portemonnaies als Stativ nutzend. Die Entnahme oder Zugabe von Geldstücken bestimmt den Neigungswinkel des Objektivs und damit das Blickfeld. Wenn das nicht eine messerscharfen Analyse des Kunstmarkts ist, eine beißende Kritik an der Deutungshoheit des Geldes, dann fresse ich eine kritische Gesamtausgabe von Bazon Brock. Oder, Mark ist einfach nur gestolpert – und fand sich unvermittelt wieder in der Nischenwelt des Mikroversums wie der atomar schwindende Protagonist in Jack Arnolds Filmklassiker der 1950er Paranoia The Incredible Shrinking Man. Oder, Mark hat einfach nur Rücken und macht das Beste aus seiner Situation, bevor er es zum Osteopathen schafft. Aber ich schweife ab.

            Egal wie er zu seinem Blick gekommen ist, die Perspektive seiner Fotografien verändert Wahrnehmung. Plötzlich rücken Details ins Rampenlicht: Steckdosen, Schutzgitter, Luftbefeuchter, Feuerwehrschläuche, Notausgangsschilder, Scheuerleisten, Abstandhalter – und Leere. Die Unaufgeregtheit monochromatisch getünchter Wände, rissiger Kanten, dunkler Wände, die nur Ausschnitte der präsentierten Bilder preisgeben, für die die Wand gemacht wurde. Statt im Motiv von de Chirico zu sinnieren, verliere ich mich im Capriblau der Wandfarbe, die das Foto dominiert. In der Chillout-Zone des Pantone-Raves einfach mal nichts erkennen, die Gravitas des Gemäldes ignorieren, nur Leere mit den Augen ertasten.

            Das hat nicht nur einen meditativen Effekt, es rekontextualisiert Kunst. In dem Moment, wo man sich der Stützräder der Präsentationsmodi gewahr wird – die Stellwände, Absperrungen, Bewegungsmelder, Sitzbänke – geht Benjamins Aura des Originals flöten. Das Kunstwerk erscheint als Gebrauchsgegenstand neben anderen: hier Steckdose, dort Renaissance. Man erkennt wieder, dass Kunst ähnlich wie Papiergeld funktioniert: Ihre Artefakte werden mit Bedeutung aufgeladen, ihr Materialwert ist oft genug gering. Ihr Schatz liegt in der gemeinsamen Vereinbarung aller, dass genau diese Kunst Relevanz besitzt.

            Und im Blickwinkel. Wir sind eine optisch getriebene Spezies. Aus dem Auge aus dem Sinn gilt nicht nur für Kleinkinder. Wir konstruieren Realität über den Sehnerv, viel mehr als über Fühlen oder Hören. Iconic Turn und so. Nimmt man dem Iconic Turn nun die Motive, ist er dann noch existent? Oder gilt Wazlawicks Verdikt, man könne nicht nicht kommunizieren, auch in der Kunst? Man kann nicht nicht abbilden. Ist Malewitsches Schwarzes Quadratnun Naturalismus, Symbolismus, Abstraktion oder Vorstudie für die Farbfächer der Druckindustrie? Die Magie des Volltons fasziniert. Die Abwesenheit von Muster irritiert unser Gehirn, das stets nach Wiedererkennbarkeit fahndet. Die Wand anstarren: Oliver Mark hat der Redewendung wieder neues Futter gegeben – und mir den Wunsch, beim nächsten Museumsbesuch einmal alles im Schneidersitz zu betrachten.

 

 

MUSEO  I (1-24), 2021
C-Print on Alu-Dibond, 50 cm x 70 cm
Edition of 5 + 2 A.P

Le Gallerie degli Uffizi, Firenze  
Galleria dell'Accademia di Firenze
Gallerie dell'Accademia di Venezia
Fondazione Querini Stampalia, Venezia
Palazzo Blu, Pisa
Palazzo Ducale di Mantova

 

MUSEO  II (1-12), 2021
C-Print on Alu-Dibond, 60 cm x 85 cm
Edition of 5 + 2 A.P

Kanya & Kage Art Space Berlin 

 

MUSEO  III (1-7), 2021
C-Print on Alu-Dibond, 50 cm x 70 cm
Edition of 5 + 2 A.P

Berlinische Galerie

 

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