Das Taschentuch sitzt
ART FACES
Artists’ portraits from the Würth Collection 26 July 2021 to 29 May 2022
“The artist’s portrait ... familiarises us with a persona- lity we only know from their work. Be it a writer, musician, painter or sculptor – confronted with their work we become curious about what the person who made it is like. What personality is hidden behind the work? We expect photography to provide us with an answer to this question.” Erika Billeter (1927–2011), Art historian
with Arnold Newman, Michel Sima, Denise Colomb, Kurt Blum, Jean Dieuzaide, Benjamin Katz, Inge Morath and Oliver Mark ..
Oliver Mark is showing two vintage portraits by Kenny Scharf, Miami 1995 and Emil Schumacher, Hagen 1995
Forum Würth Rorschach Churerstrasse 10 CH - 9400 Rorschach
Yaneq´s Album "Rufen und Raushaun" Grzegorzki Records.
Coverfoto: Oliver Mark, Logo: Nomad. Design: Anni Rülicke.
Delivery Hero VI, 2021
MUSEO
Kanya & Kage Art Space
Opening October 7th, 2021 from 7:00 p.m. to 10:00 p.m. until November 14th, 2021
MUSEO
Kanya & Kage Art Space
Opening October 7th, 2021 from 7:00 p.m. to 10:00 p.m. until November 14th, 2021
Leerstunde
Till Schröder, Chefredakteur der Marginalien und Inhaber des Gretanton Verlags
Autoren kennen das, die Angst vor dem leeren Blatt, das vorwurfsvolle Blinken des Cursors, der auf der Stelle wie festgefroren verharrt. Maler kennen ihn auch, den Horror vacui, die Panik angesichts der Leere einer unberührten Leinwand. Fotografen eher nicht, schliesslich zeigt der Sucher stets ein Gegenbild. Muss ja nicht schön sein, aber ist eben da – leerer Akku oder vergessene Verschlusskappe mal außen vorgelassen. Sowas passiert einem seriösen Daguerreotypisten natürlich nicht.
Oliver Mark nun packt die Leere bei den Hörnern – und das mitten in den Tempeln der Kunstehrfurcht. An den Orten, in denen gewöhnlich die Blockbuster der Kunstgeschichte zur gefälligen Betrachtung altarisiert an den Wänden hängen – Museen und Galerien. Das Gemälde steht im Zentrum der Fluchtlinie, auf Augenhöhe der Betrachter, meist in ornamentschweren Rahmen, als würde das Auge nicht schon genug Blickführung erfahren. Das Bild wird dem Betrachter aufgezwungen. Flughafenarchitekturen ähnelnd endet der Weg des Besuchers unweigerlich im Duty-free-Shop des Kunstkanons, das Kunstwerk an sich füllt das Wahrnehmungsspektrum. Man kann eigentlich nicht vorbeischauen.
Mark aber schaut vorbei, er positioniert seine Kamera auf Fussbodenhöhe und knipst aus Froschperspektive, einzig sein Portemonnaies als Stativ nutzend. Die Entnahme oder Zugabe von Geldstücken bestimmt den Neigungswinkel des Objektivs und damit das Blickfeld. Wenn das nicht eine messerscharfen Analyse des Kunstmarkts ist, eine beißende Kritik an der Deutungshoheit des Geldes, dann fresse ich eine kritische Gesamtausgabe von Bazon Brock. Oder, Mark ist einfach nur gestolpert – und fand sich unvermittelt wieder in der Nischenwelt des Mikroversums wie der atomar schwindende Protagonist in Jack Arnolds Filmklassiker der 1950er Paranoia The Incredible Shrinking Man. Oder, Mark hat einfach nur Rücken und macht das Beste aus seiner Situation, bevor er es zum Osteopathen schafft. Aber ich schweife ab.
Egal wie er zu seinem Blick gekommen ist, die Perspektive seiner Fotografien verändert Wahrnehmung. Plötzlich rücken Details ins Rampenlicht: Steckdosen, Schutzgitter, Luftbefeuchter, Feuerwehrschläuche, Notausgangsschilder, Scheuerleisten, Abstandhalter – und Leere. Die Unaufgeregtheit monochromatisch getünchter Wände, rissiger Kanten, dunkler Wände, die nur Ausschnitte der präsentierten Bilder preisgeben, für die die Wand gemacht wurde. Statt im Motiv von de Chirico zu sinnieren, verliere ich mich im Capriblau der Wandfarbe, die das Foto dominiert. In der Chillout-Zone des Pantone-Raves einfach mal nichts erkennen, die Gravitas des Gemäldes ignorieren, nur Leere mit den Augen ertasten.
Das hat nicht nur einen meditativen Effekt, es rekontextualisiert Kunst. In dem Moment, wo man sich der Stützräder der Präsentationsmodi gewahr wird – die Stellwände, Absperrungen, Bewegungsmelder, Sitzbänke – geht Benjamins Aura des Originals flöten. Das Kunstwerk erscheint als Gebrauchsgegenstand neben anderen: hier Steckdose, dort Renaissance. Man erkennt wieder, dass Kunst ähnlich wie Papiergeld funktioniert: Ihre Artefakte werden mit Bedeutung aufgeladen, ihr Materialwert ist oft genug gering. Ihr Schatz liegt in der gemeinsamen Vereinbarung aller, dass genau diese Kunst Relevanz besitzt.
Und im Blickwinkel. Wir sind eine optisch getriebene Spezies. Aus dem Auge aus dem Sinn gilt nicht nur für Kleinkinder. Wir konstruieren Realität über den Sehnerv, viel mehr als über Fühlen oder Hören. Iconic Turn und so. Nimmt man dem Iconic Turn nun die Motive, ist er dann noch existent? Oder gilt Wazlawicks Verdikt, man könne nicht nicht kommunizieren, auch in der Kunst? Man kann nicht nicht abbilden. Ist Malewitsches Schwarzes Quadratnun Naturalismus, Symbolismus, Abstraktion oder Vorstudie für die Farbfächer der Druckindustrie? Die Magie des Volltons fasziniert. Die Abwesenheit von Muster irritiert unser Gehirn, das stets nach Wiedererkennbarkeit fahndet. Die Wand anstarren: Oliver Mark hat der Redewendung wieder neues Futter gegeben – und mir den Wunsch, beim nächsten Museumsbesuch einmal alles im Schneidersitz zu betrachten.
MUSEO 1 (1-24), 2021
C-Print on Alu-Dibond, 50 cm x 70 cm
Edition of 5
Delivery Hero III, 2021
Untitled (after Manet), 2021 
MUSEO
Kanya & Kage Art Space
Opening October 7th, 2021 from 7:00 p.m. to 10:00 p.m. until November 14th, 2021
Leerstunde
Till Schröder, Chefredakteur der Marginalien und Inhaber des Gretanton Verlags
Autoren kennen das, die Angst vor dem leeren Blatt, das vorwurfsvolle Blinken des Cursors, der auf der Stelle wie festgefroren verharrt. Maler kennen ihn auch, den Horror vacui, die Panik angesichts der Leere einer unberührten Leinwand. Fotografen eher nicht, schliesslich zeigt der Sucher stets ein Gegenbild. Muss ja nicht schön sein, aber ist eben da – leerer Akku oder vergessene Verschlusskappe mal außen vorgelassen. Sowas passiert einem seriösen Daguerreotypisten natürlich nicht.
Oliver Mark nun packt die Leere bei den Hörnern – und das mitten in den Tempeln der Kunstehrfurcht. An den Orten, in denen gewöhnlich die Blockbuster der Kunstgeschichte zur gefälligen Betrachtung altarisiert an den Wänden hängen – Museen und Galerien. Das Gemälde steht im Zentrum der Fluchtlinie, auf Augenhöhe der Betrachter, meist in ornamentschweren Rahmen, als würde das Auge nicht schon genug Blickführung erfahren. Das Bild wird dem Betrachter aufgezwungen. Flughafenarchitekturen ähnelnd endet der Weg des Besuchers unweigerlich im Duty-free-Shop des Kunstkanons, das Kunstwerk an sich füllt das Wahrnehmungsspektrum. Man kann eigentlich nicht vorbeischauen.
Mark aber schaut vorbei, er positioniert seine Kamera auf Fussbodenhöhe und knipst aus Froschperspektive, einzig sein Portemonnaies als Stativ nutzend. Die Entnahme oder Zugabe von Geldstücken bestimmt den Neigungswinkel des Objektivs und damit das Blickfeld. Wenn das nicht eine messerscharfen Analyse des Kunstmarkts ist, eine beißende Kritik an der Deutungshoheit des Geldes, dann fresse ich eine kritische Gesamtausgabe von Bazon Brock. Oder, Mark ist einfach nur gestolpert – und fand sich unvermittelt wieder in der Nischenwelt des Mikroversums wie der atomar schwindende Protagonist in Jack Arnolds Filmklassiker der 1950er Paranoia The Incredible Shrinking Man. Oder, Mark hat einfach nur Rücken und macht das Beste aus seiner Situation, bevor er es zum Osteopathen schafft. Aber ich schweife ab.
Egal wie er zu seinem Blick gekommen ist, die Perspektive seiner Fotografien verändert Wahrnehmung. Plötzlich rücken Details ins Rampenlicht: Steckdosen, Schutzgitter, Luftbefeuchter, Feuerwehrschläuche, Notausgangsschilder, Scheuerleisten, Abstandhalter – und Leere. Die Unaufgeregtheit monochromatisch getünchter Wände, rissiger Kanten, dunkler Wände, die nur Ausschnitte der präsentierten Bilder preisgeben, für die die Wand gemacht wurde. Statt im Motiv von de Chirico zu sinnieren, verliere ich mich im Capriblau der Wandfarbe, die das Foto dominiert. In der Chillout-Zone des Pantone-Raves einfach mal nichts erkennen, die Gravitas des Gemäldes ignorieren, nur Leere mit den Augen ertasten.
Das hat nicht nur einen meditativen Effekt, es rekontextualisiert Kunst. In dem Moment, wo man sich der Stützräder der Präsentationsmodi gewahr wird – die Stellwände, Absperrungen, Bewegungsmelder, Sitzbänke – geht Benjamins Aura des Originals flöten. Das Kunstwerk erscheint als Gebrauchsgegenstand neben anderen: hier Steckdose, dort Renaissance. Man erkennt wieder, dass Kunst ähnlich wie Papiergeld funktioniert: Ihre Artefakte werden mit Bedeutung aufgeladen, ihr Materialwert ist oft genug gering. Ihr Schatz liegt in der gemeinsamen Vereinbarung aller, dass genau diese Kunst Relevanz besitzt.
Und im Blickwinkel. Wir sind eine optisch getriebene Spezies. Aus dem Auge aus dem Sinn gilt nicht nur für Kleinkinder. Wir konstruieren Realität über den Sehnerv, viel mehr als über Fühlen oder Hören. Iconic Turn und so. Nimmt man dem Iconic Turn nun die Motive, ist er dann noch existent? Oder gilt Wazlawicks Verdikt, man könne nicht nicht kommunizieren, auch in der Kunst? Man kann nicht nicht abbilden. Ist Malewitsches Schwarzes Quadrat nun Naturalismus, Symbolismus, Abstraktion oder Vorstudie für die Farbfächer der Druckindustrie? Die Magie des Volltons fasziniert. Die Abwesenheit von Muster irritiert unser Gehirn, das stets nach Wiedererkennbarkeit fahndet. Die Wand anstarren: Oliver Mark hat der Redewendung wieder neues Futter gegeben – und mir den Wunsch, beim nächsten Museumsbesuch einmal alles im Schneidersitz zu betrachten.
C-Print on Alu-Dibond, 50 cm x 70 cm
Edition of 5
Erla S. Haraldsdóttir, Berlin 2021
hinter den Bergen, 2021
C-Print auf Alu-Dibond 70 / 50cm
Edition 1/5 plus 2 A.P.
signiert, datiert, betitelt
Sào Soulez Larivière, Berlin 2021
The Long Run, 2021
The Short Run, 2021
Anina Brisolla, Berlin 2021
Bernhard Martin, Berlin 2021
Erla S. Haraldsdóttir, Berlin 2021
Fotofestival Nürnberg 2021 – facing reality
Kunsthaus im KunstKulturQuartier, Fr 30 April – So 27 Juni 2021
James Edward Albright Jr., Martina Angerer, Sebastian Autenrieth, Peter Bialobrzeski, Stefan Hippel, Rudi Ott, Julia Puder, Jens Wegener, Oliver Mark, Marlene Pfau, Anna Peisl, Eylül Aslan, Klaus Pichler, Roman Bezjak, Sebastian Wells, Lois Hechenblaikner.
o.T. 20.03.2021
davor, 2021
o.T. 2021
danach, 2021
verspeiste Banane, Berlin 2021
BFF Akademie / Workshop, "Raum und Licht / Identität als Spiel" 
Lockdown II, 2021
o.T. 2021
Anpassung an den Lebensraum III, 2020
Umbertide, 2020
Imagined Community I, C-Print on Kodak Endura Metallic, 150 x 150 cm, Umbria 2020
The artist Isa Melsheimer and Pietro Perugino’s fresco Adoration of Magi c.1521-22 Trevi, Umbria 2020
Self Portrait with Giorgio de Chirico Painting Piazza d'Italia, Città di Castello 2020
Alexander Schuster, Berlin 2020
Collaboration Hoischen / Mark, in progress 2020
Oskar, Lisa Tiemann und Maximilian Rödel, Berlin 2020
IN ALLER MUNDE
VON PIETER BRUEGEL BIS CINDY SHERMAN
31.10.2020 – 05.04.2021 im Kunstmuseum Wolfsburg
von links nach rechts Edvard Munch, Walter Crane, Louise Bourgeois, Trockel Rosemarie, Oliver Mark.
Ende Mai 2020 wurde ich zum Mitglied in der Deutschen Gesellschaft für Photographie (DGPh) berufen.
Der Mitgliedschaft in der DGPh liegt immer eine Berufung aufgrund besonderer Verdienste um die Photographie und deren Förderung zugrunde und muss von zwei Mitgliedern vorgeschlagen werden.
Vorgeschlagen wurde ich von Frau Anna Gripp (Photonews) und Frau Gabriele Conrath-Scholl (Die Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur)
Die Anwendungsgebiete der 1951 in Köln gegründeten Gesellschaft sind auf das Fotografische in Kunst, Wissenschaft, Bildung, Publizistik, Wirtschaft und Politik ausgerichtet.
Die etwa 1000 berufenen Mitglieder der ideellen Organisation kommen aus allen Bereichen der Fotografie und sind renommierte Persönlichkeiten der deutschen und der internationalen Fotoszene.
Unter anderem wird der renommierte Otto-Steinert-Preis, der Dr.-Erich-Salomon-Preis und den Kulturpreis von der Deutschen Gesellschaft für Photographie verliehen.
Danke an Anna Gripp, Gabriele Conrath-Scholl und der Deutschen Gesellschaft für Photographie!
the day after tomorrow 2018 - 2020
Tobias Hantmann Mai 2020
08.04.2020 06:39
"Die Zeit machen wir später aus" (1995 - 2021) ist eine Serie von 285 Bildern (Stand 2021) die den Stadtraum Berlin zeigen.
Gezeigt werden Orte die für eine kurze Zeit einen Blick freigeben den es nach einigen Wochen so nie mehr geben wird.
Aline Schwibbe Artist, March 2020
Chrysolophus pictus II, Feb. 2020
Agustin III and I, Jan. 2020
01.01.2020
Prost!
Frohe Weihnachten und ein gutes neues Jahr 2020!
Begabte Menschen treffen immer, auch wenn sie nicht zielen. 2019
Herausgeber Oliver Mark Studio Berlin 2019,
Konzept, Idee und Photos: Oliver Mark
Design STUDIO F, Anja Steinig
Mit Texten und Werken von:
Ernest Hemingway, Christian Hoischen, Leiko Ikemura, Michael Kunze, Bjørn Melhus, Isa Melsheimer, Christoph Peters, Michael Sailstorfer, Sibylle Springer und Martin Simons.
Andrej Golder und mich verbindet inzwischen eine so genannte „Saurierfreundschaft“, so viele Wiedergeburten, tragische und komische Ehrenrunden im Kreislauf der immer wiederkehrenden Tiere, Menschen und Pflanzen haben wir schon gemeinsam durchgemacht: Schon bald nach meiner letzten Geburt als Gottmensch und nicht lange vor seiner letzten Geburt als gottmenschlicher Goldhamster begegneten wir uns in einem Berliner Hinterhofsandkasten und bauten gemeinsam gegen den Himmel unserer depressionistischen Künstlervergangenheit (nie wieder!! – schworen wir uns beide schon in der Wiege) eine Burg für eine von uns gemeinsam begehrte Prinzessin. Obwohl wir beide noch kaum laufen konnten, und wir gerade erst lernten, stubenrein zu sein, drohten unsere Träume schon in diesem frühen Stadium in Erfüllung zu gehen, so dass sich ein Weiterleben aus Langeweile kaum mehr lohnen würde. Wir besorgten uns Waffen, um noch im Sandkasten, auf der imaginierten Zinne unserer Burg vor der imaginierten Braut unserer ritterlichen Gefühle Schluss zu machen. Nur der Ausblick, wieder als Künstler auf die Welt zu kommen, diesmal als Hofmaler am nordkoreanischen Königshaus, hielt uns zurück. So verabschiedeten wir uns, trotzig weiterlebend, von den Schleifen unserer frühkindlichen Verehrungen, lernten gehen, paarten uns wahllos mit unseren Vorgesetzten, verwilderten vorbildlich, bis wir die Pfiffe unserer Eltern hörten, die uns aus unseren künstlichen Wüsten und Paradiesen lockten, damit wir endlich zur Schule gingen. Andrej sollte Russisch vergessen, und ich sollte Griechisch lernen. Brav taten wir, was von uns verlangt wurde, doch fügten wir uns nur scheinbar unserem Schicksal. Andrej vergaß sein Russisch erst recht nicht, und ich lernte erst recht mein Griechisch, nicht weil, sondern obwohl es so erwartet wurde. Irgendwann aber reichte auch das, und wir begannen konsequent, unseren Charakter zu schwärzen. Egal, ob Seegurke oder Künstler im nächsten Leben. Wir reichten uns die Flasche. Was kann getan werden, um die Mühle endlich anzuhalten? Für unsere ehemaligen Künstlerkollegen hatten wir nur noch Mitleid und Verachtung übrig. Was so oder so immer aufs Gleiche hinauslief, konnte uns nicht mehr interessieren. Das Leben musste eine Pointe bekommen! Die Welt konnte untergehen, nur wir mussten sie überleben, nicht weil wir das so wollten, sondern gerade weil wir das nicht so wollten. Erst jetzt macht es Sinn, dass Andrej und ich immer behaupten, dass wir uns schon seit Saurierzeiten kennen. Da kam doch angeblich mal ein Meteorit angeflogen und hat auf den großen „Neustart“- Knopf gedrückt.
Text: Michael Kunze, Berlin 2018
Russana-II, Berlin 2019
Russana-III, Berlin 2019
Bukowina Klöster Leben (018), St. Thomas von Aquin Kirche in der Katholischen Akademie, Sammkung Erzbistum Berlin 2019
Einladung zur Ausstellung in der St. Thomas von Aquin Kirche Berlin 2019 
Hände von Jenny Holzer in der Peter-und-Paul-Kirche Potsdam 2020
Installationsansicht in der St. Thomas von Aquin Kirche in der Katholischen Akademie in Berlin 2019 
Jenny Holzer Hände, Leipzig 1996
Papiergröße 70 x 70 cm, 3er Ed. Silbergelatineabzug auf Alu Dibond im Künstlerrahmen 151 x 154cm
Deutscher Fotobuchpreis 2019 | 20, Shortlist in der Kategorie: Konzeptionell-künstlerische Fotobildbände
No Show, 2019
gestaltet von Femke Wigger, Schipper Company GmbH
Mit Beiträgen von Carolin Hilker-Möll, Christoph Peters, Georg Maria Roers SJ und Michael Schipper.
Distanz Verlag ISBN 978-3-95476-281-
Deutsch/Englisch, 23,5 × 29 cm
268 Seiten, 200 Farb- und s/w-Abbildungen, Softcover
Der Deutsche Fotobuchpreis 2019 | 2020 wird an folgenden Ausstellungsorten präsentiert:
Stuttgarter Buchwochen und nehmen im Laufe des Jahres 2020 an einer ganzen Reihe von Ausstellungsorten teil. Unter anderem finden diese in Essen (C.A.R. Contemporary Art Ruhr), Köln (Forum für Fotografie), Karlsruhe (Regierungspräsidium) und Frankfurt (Buchmesse) statt.
Ludwig Blochberger, Berlin 2019
Deichtorhallen Freundeskreis des Hauses der Photographie Hamburg. Zu Gast bei Freunden – Artist Talk mit Oliver Mark am 02.11.2019 
The board and artist of the BBK Berlin: Berlin 12.10.2019
Sophie-Therese Trenka-Dalton, Sabine Reinfeld, Patrick Huber, Heidi Sill, Zoe Claire Miller, Raúl Walch and Frauke Boggasch
Einladung zur Eröffnung der Ausstellung Goldene Schuhe im Landesmuseum Liechtenstein, Vaduz 2019
Der Funke Gottes, Diözesanmuseum Bamberg, 2019
Der Funke Gottes, Diözesanmuseum Bamberg
Oliver Mark, II-Papst Benedikt XVI., Erfurt 2011, C-Print auf Kodak Endura Metallic, Vintage, 18,6 x 13,2 cm, Unikat im historischer Rahmen.
27. Juli bis 10. November 2019 kuratiert von Alexander Ochs and Dr. Holger Kempkens mit u.a. Marina Abramović, Ai Weiwei, Nobuyoshi Araki, Ernst Barlach, Georg Baselitz, Joseph Beuys, Valerie Favre, Katharina Fritsch, Leiko Ikemura, Wilhelm Lehmbruck, Via Lewandowsky, Oliver Mark, Olaf Metzel, Hermann Nitsch, Meret Oppenheim, Karl Schmidt-Rottluff, Andy Warhol
Oliver Mark, II-Papst Benedikt XVI., Erfurt 2011, C-Print auf Kodak Endura Metallic, Vintage, 18,6 x 13,2 cm, Unikat im historischer Rahmen.
Im Jahr 2011 hat der Künstler Oliver Mark Benedikt XVI. fotografiert. Im prunkvollen Goldrahmen präsentiert sich das Oberhaupt der katholischen Kirche jedoch nur ausschnitthaft. Lediglich die vor der Körpermitte gehaltenen Hände sind in der Aufnahme zu sehen. Die einzigartige Stellung des Papstes wird durch Pektorale und die ihm vorbehaltene weiße Gewandung verdeutlicht. Auch die in ihrer Gegensätzlichkeit sehr aussagekräftige Haltung seiner Hände trägt zur Charakterisierung bei. Aktiv ist die Linke in rhetorischem Gestus nach oben gerichtet. Die Rechte jedoch, die den goldenen Fischerring trägt, ist müde nach unten gewandt. Sowohl Ehre und Würde als auch die schwere Verantwortung, die mit diesem Amt verbunden sind, werden in eindrücklicher Weise in dem Porträt der Papsthände erfahrbar.
Oliver Mark, Clemens Krauss, Berlin 2010 C-Print auf Kodak Endura Metallic, Vintage, 40 x 30 cm, Ed. 1/3, Courtesy Artist
Der Fotograf Oliver Mark (*1963, Gelsenkirchen/Deutschland) inszeniert Prominente in ungewöhnlichen Posen. Sie zeigen ironische Kommentare zum Status der Abgelichteten, spielen mit Versatzstücken ihrer Lebens- und Arbeitswelt, wie bei dem Porträt der Bildhauerin Alicia Kwade, bei dem unklar bleibt, ob er sie in ihrem Atelier vor einer neuen Arbeit inszeniert, oder selbst die Kulisse seiner Aufnahme zusammenstellte. Auch der Maler Clemens Krauss findet sich in einem kommentierenden Ambiente zu seinem Werk. Der Künstler, der mit pastos, direkt auf die Wand gemalten, gesichtslosen Masseninszenierungen bekannt wurde, lagert auf einem Bett, das aus einem Museumkontext stammen könnte. Um ihn herum Bilder von Krauss und ein blutrot durchtränktes Hemd, das an die Performance von Hermann Nitsch erinnert. Minutiös plant er den Prozess, der für den Fotografen für das Gelingen eines Bildes ausschlaggebend sei. Mit dem Zufall arbeitet der Künstler nach eigener Aussage selten. Als Stilmittel setzt Mark mitunter schwulstige Bilderrahmen als Motiv ein, die als Spannungsgeber, als Begrenzung und Botschaft fungieren. Sie erzeugte assoziative Nähe zur Altmeistermalerei, verstärken das mehrmals in sei- nem Werk wiederkehrende Motiv der Hände, wie die von Papst Benedikt, den er 2011 in Erfurt fotografierte. Als bekennender Christ (ZEIT, 2019) bearbeitet er auch immer wieder religiös orientierte Themen, wie die Schwarzweiß-Fotografie, in deren Zentrum ein Säugling, eingeschlagen in ein dunkles Tuch in den Himmel schaut. Von seiner Brust ausgehend strebt ein heller Bereich, der Blattwerk zu erkennen gibt und vermutlich durch eine Doppelbelichtung entstanden ist.
Text: Katja Triebe 2019
Oliver Mark, No Show, Museen der Stadt Bamberg, Villa Dessauer 06. April - 02. Juni 2019
Cameron Carpenter and his Personal Trainer, Berlin 2012
Paper size 60 x 50 cm, Ed. of 5 + 3 AP Exp. Kodak Endura Metallic Print on Alu Dibond in artist frame 76,9 / 66,0 / 7,5 cm
Jenny Holzer, Leipzig 1996
Paper size 70 x 70cm, Ed. of 3 Gelatin silver print on Alu Dibond in artist frame 151 x 154cm
No Show, 2019
LANGUAGE German/English
FORMAT 23.5 × 29 cm
FEATURES 268 pages, 200 color and b/w images, Softcover
ISBN 978-3-95476-281-1
April 2019
PRICE €38.00
https://www.distanz.de/en/buecher/oliver-mark/no-show
Oliver Mark (b. 1963; lives and works in Berlin) is a master portraitist. His photographs of human beings tell stories of the seemingly familiar as seen from unwonted angles; through superimposition, doubling, fragmentation, partitioning, they often reveal more than either the subjects or the photographer meant to disclose. Expertly staged snapshots subject the sitters to painstaking analysis and limn his or her role in society. A collector of human types, Mark has an unerring flair for that special instant. The long list of illustrious people who have sat for his camera includes actors and actresses like Cate Blanchett, Anthony Hopkins, and Ben Kingsley; directors; musicians; philosophers; politicians like Angela Merkel and Joachim Gauck; designers; aristocrats; and, again and again, visual artists. To browse no show is to flip through a who’s who of the global art world, with formidable portraits of creative minds from Fernando Botero, Louise Bourgeois, Richard Serra, and Luc Tuymans to Katharina Grosse, Isa Melsheimer, Douglas Gordon, Alicja Kwade, and many more.
SPRACHE Deutsch/Englisch
FORMAT 23,5 × 29 cm
EIGENSCHAFTEN 268 Seiten, 200 Farb- und s/w-Abbildungen, Softcover
ISBN 978-3-95476-281-1
April 2019
PREIS 38,00 €
https://www.distanz.de/buecher/oliver-mark/no-show
„EIN GUTES PORTRÄT FÄNGT ENERGIE EIN...“
Oliver Mark (geb. 1963, lebt und arbeitet in Berlin) ist ein Meister der Menschenfotografie. Seine Porträts erzählen Geschichten von Verfremdung, sie arbeiten mit Überlagerung, Doppelung, Zersplitterung, Aufspaltung – und geben dabei oft mehr preis als gewollt, sowohl über die Porträtierten als auch über den Fotografen. Die exzellent inszenierten Momentaufnahmen analysieren das Subjekt minutiös und weisen ihm eine Rolle in der Gesellschaft zu. Mark ist ein Menschensammler, der immer den besonderen Moment erspürt. So hat er viele berühmte Persönlichkeiten mit seiner Kamera eingefangen: Filmschaffende wie Cate Blanchett, Anthony Hopkins und Ben Kingsley, Regisseure, Musikgrößen wie Madonna, die Kanzlerin Angela Merkel, sowie Philosophen, Designer, Mitglieder des Hochadels und vor allem bildende Künstler und Künstlerinnen. no show blättert sich wie ein Who’s who der Kunstszene mit beeindruckenden Porträts von Fernando Botero, Louise Bourgeois, Richard Serra und Luc Tuymans bis zu Katharina Grosse, Isa Melsheimer, Douglas Gordon, Alicja Kwade und vielen anderen.
No Show gesehen im Bücherbogen am Savignyplatz Berlin, Herbst 2019
Bukowina Klöster Leben 2018-2019 (017), Sammlung Bukowina-Museum, Suceava
Schaubühne am Lehniner Platz, Jörg Hartmann, Berlin 2018
Schaubühne Berlin 2018
Portraits von Veronika Bachfischer, Marie Burchard, Lars Eidinger, Christoph Gawenda, Jörg Hartmann, Ursina Lardi,Thomas Ostermeier, Sebastian Schwarz
Camera Work Berlin, Martin Eder, 2018
Gruppenausstellung Made in Berlin vom 26. Mai bis 25. August 2018 bei Camera Work wird u.a. mein Portrait von Martin Eder gezeigt
Martin Eder, Berlin 2013, 100 x 80 cm, Ed. of 5 + 2 AP Kodak Endura Metallic Print auf Alu Dibond unter Museumsglas im Nussholzrahmen 84,6 / 104,6 cm
Leonardo, 2018
C-Print 30 / 41,64 cm
Natura Morta - Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste Wien
Photographien von Oliver Mark in Korrespondenz zu Stillleben-Gemälden der Sammlung
Natura Morta - Naturhistorischen Museum Wien
Photographien von Oliver Mark in Korrespondenz zu mit Tierpräparaten des NHM Wien
26. April 2017 – 16. Juli 2017
- Natura Morta – Fotografien von Oliver Mark in Korrespondenz zu Stillleben-Gemälden der Sammlung, Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste Wien, 27. April .2017 - 16. Juli .2017
- Natura Morta – Fotografien von Oliver Mark, Naturhistorisches Museum Wien, 27. April .2017 - 16. Juli .2017
- Natura Morta – Oliver Mark, Natura Morta – Oliver Mark Liechtensteinisches Landesmuseum 11. Oktober .2016 - 8. Januar .2017
Natura Morta, Oliver Mark’s current project, is dedicated to the question of how human beings treat their environment and the natural world, focusing in particular on the animal kingdom as well as the aesthetics and beauty of death. In the seventeenth and eighteenth centuries, the still life genre, originally known as natura morta – ‘dead nature’ –, became established as stil leven in Holland and Stillleben in Germany. In this transition, the notion behind the genre shifted from the Latin and Italian meaning. However, if one takes life as existence or being, and still as inactive in the sense of dead, the term continued to express a very similar idea, even if not quite identical. For his present project, Oliver Mark has deliberated chosen the original Latin term as a way of highlighting the contrast between nature = life and lifeless = dead. What we discover in his photographs did once live and, in almost every case, was killed in the prime of life by human hand. Moreover, the natura morta term strongly shifts the focus to the animal and plant kingdoms, placing humanity in the background. Even if, of course, human beings are a part of nature, we are only one small part compared to nature’s vast diversity.
Oliver Mark’s still life photographs were taken in a German customs’ storage room in Bonn where the court exhibits are kept. In his photos, he orchestrates objects confiscated by the customs as classic art still lifes – from leopard skulls and carved ivory to products from crocodile, tortoise or turtle, parts of protected animals and plants, hunting trophies, snakeskin garments, musical instruments from valuable tropical woods, and souvenirs such as sea horses, coral, snails and sea shells.
Oliver Mark presents his works in historic painting frames. In the Paintings Gallery, this generates parallels between the genres of painting and photography, but also between photographic and painted still lifes. Together with Oliver Mark’s photography, the Paintings Gallery is showing nine works from its own collection by artists such as Willem van Aelst, Philips Angel van Middelburg, Abraham van Beyeren, Jan van der Heyden, Maximilian Pfeiler, Abraham Susenir, Jan Weenix, and the successors of Peter Paul Rubens, creating new perspectives on masterpieces of seventeenth-century Dutch art.
In this way, visitors can explore a wide range of associative ideas. Ideally, these produce new and different views of seemingly ‘well-known’ paintings in the collection, or encourage the aesthetic enjoyment of the photographs and lead to reflections on how humanity treats the natural world.
In the Natural History Museum, where a further three groups of Oliver Mark’s photographic works are shown juxtaposed with animal specimens, the focus is on the protection of endangered species. The trade in animal and plant species is regulated under international law, banning many souvenirs from being imported into the signatory countries. The authorities enforce this law under the Convention on International Trade in Endangered Species of Wild Fauna and Flora (CITES), which protects over 35,000 threatened animals and plants and was ratified by Austria in 1982.
Oliver Mark’s impressive photographs offer space for ideas and associations across a broad spectrum of topics: How do people treat their environment? What so fascinates us about the still life genre? And what distinguishes painting from photography?
In seinem aktuellen Projekt Natura Morta widmet sich Oliver Mark der Frage nach dem Umgang des Menschen mit Natur und Umwelt, insbesondere der Tierwelt, aber auch der Ästhetik und Schönheit des Todes. "Natura Morta" - übersetzt mit "tote Natur" - wurde im 17. und 18. Jahrhundert im Niederländischen zu "stil leven" und im Deutschen zu "Stillleben". Damit hatte der Begriff sich vom Lateinischen bzw. Italienischen entfernt, obwohl er Ähnliches, aber nicht Identisches ausdrücken wollte, wenn man Leben mit Existenz oder Dasein und still mit unbewegt, also tot, verbindet. Oliver Mark wählte für sein aktuelles Projekt bewusst den ursprünglichen lateinischen Begriff, um den Gegensatz zwischen Natur = Leben und tot = gestorben zu betonen. Was man auf seinen Photographien entdeckt, lebte einst und wurde in der Regel oft von Menschenhand mitten im Leben stehend getötet. Zusätzlich wird durch den Begriff "Natura Morta" der Fokus stärker auf die Tiere und Pflanzen gelegt und der Mensch in den Hintergrund gesetzt, auch wenn er selbstverständlich Teil der Natur ist, aber eben nur ein kleiner Teil im Vergleich zur vielfältigen Natur.
Oliver Marks Stillleben-Photographien sind in der Asservatenkammer des bundesdeutschen Zolls in Bonn entstanden. Leopardenschädel, Elfenbeinschnitzereien, Produkte aus Krokodilen oder Schildkröten, geschützte Tier- und Pflanzenteile, Jagdtrophäen, Kleidungsstücke aus Schlangenleder, Musikinstrumente aus kostbaren tropischen Hölzern, Reisemitbringsel wie Seepferdchen, Korallen, Schnecken und Muscheln, die vom Zoll beschlagnahmt wurden, hat der Photograph altmeisterlich als Stillleben inszeniert. Oliver Mark präsentiert sie in historischen Gemälderahmen. In der Gemäldegalerie ergeben sich dadurch Korrespondenzen zwischen den Gattungen Malerei und Photographie, aber auch zwischen photographischen und gemalten Stillleben. Aus der eigenen Sammlung werden neun Werke von Malern wie Willem van Aelst, Philips Angel van Middelburg, Abraham van Beyeren, Jan van der Heyden, Maximilian Pfeiler, aus der Nachfolge von Peter Paul Rubens, Abraham Susenir und Jan Weenix zusammen mit den Photographien Oliver Marks gezeigt. So ergeben sich auch neue Perspektiven auf Meisterwerke der niederländischen Malerei des 17. Jahrhunderts.
Den Besucher_innen bieten sich so vielfältige Assoziationsmöglichkeiten, im besten Fall ein neuer, anderer Blick auf die scheinbar "altbekannten" Gemälde der Sammlung oder aber der ästhetische Genuss der Photographien, der in das Nachdenken über den Umgang des Menschen mit der Schöpfung mündet.
Im Naturhistorischen Museum, in dem weitere Photographien in drei Gruppen neben die Tierpräparate gestellt werden, ist die Frage des Artenschutzes vorrangig. Der Handel von Tier- und Pflanzenarten unterliegt internationalen Bestimmungen, eine Einfuhr vieler Souvenirs ist gesetzeswidrig. Grundlage für das Aktivwerden der Behörden ist das Washingtoner Artenschutz-(CITES)Abkommen, das über 35 000 Tier- und Pflanzenarten, die vom internationalen Handel bedroht sind, schützt. In Österreich ist das Übereinkommen seit 1982 in Kraft.
Oliver Marks eindrückliche Photographien bieten Raum für Gedanken und Assoziationen über die verschiedensten Themen: Wie geht der Mensch mit seiner Umwelt um? Was fasziniert uns an der Gattung Stillleben? Was unterscheidet Malerei von Photographie?
Text: Julia M. Nauhaus, Direktorin der Gemäldegalerie und des Kupferstichkabinetts der Akademie der bildenden Künste Wien
Between Skies and Earth, 2017
CLAIR Gallery presented Between Skies and Earth from March 30, 2017 to June 11, 2017 at Franz-Joseph-Strasse 10 in Munich.
The light and the obscure, the sky and the earth, the ethereal and the corporeal. Such juxtapositions have long formed the essence of the photographer’s art and a mastery of these elements can evoke entire universes of nuance and emotion.Oliver Mark (b. Germany, 1963) is one of the modern geniuses in the use of these elements; and Alvin Langdon Coburn (b. America, 1882; d. Wales, 1966) possessed such a gift in their use that his work forms the foundation of pictorialist photography. CLAIR Gallery curated an exhibition, Between Skies and Earth, that explored the overt and covert connections between these two celebrated photographers who are separated by more than a century.
Oliver Mark is renowned for his portraits of aristocrats, artists, and celebrities. His work has been published in magazines such as Vogue and Vanity Fair, while his photographs have been exhibited in museums around the world.
Alvin Langdon Coburn was a pioneering figure in photography and an early master of pictoralism. He began taking photographs as a young child and his career spanned more than six decades. His work bears witness to the rise of the great modern cities and he was fascinated by the dynamic complexity of these new urban environments. Coburn had a particular genius for photographing movement, whether it be the eerie play of artificial and natural light at nightfall in New York City or the traces of pedestrians seen from a perch high above a London park.
Kristen Stewart, Hamburg 2017
Fee, Berlin 2017
Collaboration Hoischen / Mark 2017
Hoischen / Mark 2017
"Die Kykladen Novelle 1"
42,6 x 36,6 cm, Mixed Media 2017
…die Arbeit des Anderen ist in erster Linie als unerträglich zu bezeichnen. Die Zusammenarbeit von Hoischen & Mark ist geprägt von Kritik und Korrektur bis jegliche Gewissheit zertrümmert ist - zu einem banalen Haufen Materie - wieder zusammengeheftet wird ein Spalt frei für einen kurzen Blick in den Abgrund. Erlösung gibt es erst im Witz. Die Braut (aus Kill Bill Vol.2): „Diejenigen, die das Glück haben, noch am Leben zu sein, Ihr dürft gehen. Aber die abgetrennten Gliedmaßen bleiben hier!“
Natura Morta Oliver Mark, 2016
Natura Morta Oliver Mark
Kehrer Verlag, Heidelberg 2016, ISBN 978-3-86828-759-2.
Hrsg. von Prof. Dr. Rainer Vollkommer, Liechtensteinisches Landesmuseum.
136 Seiten, 57 Farbabbildungen. Hardcover, 30,4 x 37,5 cm. Deutsch, Englisch.
Mit Texten von Lorenz Becker, Philipp Demandt, Aurelia Frick, Barbara Hendricks, Christian Köberl, Julia M. Nauhaus, Michael Schipper, Rainer Vollkommer.
Das Buch erscheint anlässlich der Ausstellung Natura Morta – Fotografien von Oliver Mark in Korrespondenz zu Stillleben-Gemälden der Sammlung, Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste Wien sowie Natura Morta, Fotografien von Oliver Mark, Naturhistorisches Museum Wien 2017.
Der Begriff „Natura Morta“ (= „tote Natur“) wurde im 17. und 18. im Niederländischen zu „stil leven“ und im Deutschen zu „Stillleben“. Damit hatte er sich vom Lateinischen bzw. Italienischen entfernt, obwohl er Ähnliches, aber nicht Identisches ausdrücken wollte, wenn man Leben mit Existenz oder Dasein und Still mit unbewegt also tot verbindet. Oliver Mark wählte daher bewusst den ursprünglichen lateinischen Begriff, um den Gegensatz zwischen Natur = Leben und tot = gestorben zu betonen. Was man auf seine Photographien entdeckt, lebte einst und wurde in der Regel oft von Menschenhand mitten im Leben stehend getötet. Zusätzlich wird durch Natura Morta der Fokus stärker auf die Tiere und Pflanzen gelegt und der Mensch in den Hintergrund gesetzt, auch wenn er selbstverständlich Teil der Natur ist, aber eben nur ein kleiner Teil im Vergleich zur vielfältigen Natur.
Seine Photographien richten den Blick auf Tiere und Pflanzen und nicht auf den Menschen im Gegensatz zu den Stillleben auf Gemälden, wie sie ab dem 17. Jh. in den Niederlanden aufkommen, um die Vergänglichkeit und Eitelkeit des Menschen unter dem Deckmantel dargestellter Pflanzen und Tiere zu zeigen und daher auch oft mit besonderen von Menschen geschaffenen Produkten vermischt wurden wie teure Gläser, Pokale oder Geschirr. Durch den von Oliver Mark gewählten Lichteinfall und der edlen Zusammenstellung der Exponate täuscht er aber zunächst niederländische Altmeistergemälde vor. Doch geht Oliver Mark dann weiter in der Sinnestäuschung des Betrachters, denn seine Photographien sind umgeben von echten alten historischen Rahmen, die einst Gemälde schmückten. Sie verführen zunächst noch mehr zu dem Eindruck, dass es sich hier um Stillleben Alter Meister handeln würde. Bei seinen Photographien steht die Natur im Vordergrund, die nun aber durch den Menschen vernichtet worden ist, um ihn zu schmücken und hervorzuheben. Der Mensch ist nicht Opfer der Vergänglichkeit, er ist Täter.
Dieses verwirrende Spiel von nach genauer Betrachtung und Überlegung zu erkennender Verfehlung des Menschen soll aufrütteln und so wird aus dem schönen Schein Ekel erzeugt über das Gesehene. Doch das Gesehene ist leider heruntergekommen zu alltäglichem Gut, das - normalerweise nicht zu sehen - verwahrt wird. Alle Photographien entstanden 2015 und zeigen Produkte aus unter Artenschutz gestellten Tieren und Pflanzen, die an deutschen Grenzen von Einreisenden beschlagnahmt worden sind und in der Asservatenkammer (Kammer für Verwahrstücke) des Bundesamtes für Naturschutz in Bonn schlummern. Dank dieser Werke von Oliver Mark hoffen wir mit dieser Ausstellung im Liechtensteinischen Landesmuseum in Vaduz auf das Entsetzliche hinzuweisen und daran zu erinnern, dass wir nur eine Welt haben und diese nur dank ihrer Artenvielfalt und Diversität, das ist, was sie ist, nämlich lebenserhaltend und nicht Leben zerstörend.
Prof. Dr. Rainer Vollkommer
Direktor des Liechtensteinischen Landesmuseums in Vaduz 2017
Familie Christian Achenbach, 2016
Familie Christian Achenbach, Berlin 2016
Blattgröße 35 × 45 cm Silbergelatine, Vintage, Unikat
http://www.kunstblog-mannheim.de, 2016
Jungbrunnen, 2015
inspiriert nach dem Gemälde Der Jungbrunnen von Lucas Cranach dem Älteren aus dem Jahr 1546 ist mein Portrait mit dem gleichnamigen Titel 2015 entstanden.
Jungbrunnen, Berlin 2015. Gelatine Print, signiert, blind stamp, Unikat im klassizistischen Rahmen 68,0 × 101,0cm
"Manchmal komme ich ein wenig von der Strecke ab“ 2015
Print on Kodak Endura Metallic in artist's frame
31 3/10 × 40 9/10 in 79.5 × 103.9 cm
Leiko Ikemura, Berlin 2015
Lindenau-Museum Altenburg, 2015 - 2016
Lindenau-Museum Altenburg, In Szene gesetzt , Aus Porträts werden Kleider 2015 - 2016
A collection of Oliver Mark’s photographs were shown as part of a major portrait exhibition at the Lindenau-Museum in Altenburg, Germany. Mark’s photographs were featured along with paintings by such artists as Domenico Ghirlandaio (15th century) and Michiel van Mierevelt (17th century).
"nicht entstandene Bilder" 2014
"nicht entstandene Bilder" ist ein offenes Projekt an dem ich seit 2014 arbeite.
Hier die Korrespondenz mit Otto Piene vom 14. Mai 2014 der am † 17. Juli 2014 in Berlin gestorben ist.
Krieg und Frieden, 2014
Idris Elba, Berlin 2014
„Ich durfte Idris Elba fotografieren und hatte mir überlegt, ich könnte eine Brücke schlagen zu Mandela, den er gerade gespielt hatte. Also nahm ich meine Handschellen mit. Elba stimmte zu, legte sich gefesselt auf dem Boden des Hotelzimmers. Die PR-Frau, die dann reinkam, war irgendwie ziemlich hysterisch deswegen. Das Bild ist nichts geworden.“
National Portrait Gallery, London 2014
Cameron Carpenter and his Personal Trainer, Berlin, 2012
was exhibited in the National Portrait Gallery, London 2014
C-Print on Kodak Endura Metallic 60 × 50 cm
Editions of 5 + 3 AP in Artist Frame
Adrian Ghenie, Berlin 2014
Kunstsammlungen Chemnitz, 2014
Aus den Trümmern kriecht das Leben, Portraits von Karl Otto Götz 2014
Die Hände von Karl Otto Götz 154 / 124 cm,
Kodak Endura Metallic Print auf Alu Dibond unter Museumsglas, Ed. 1/3, (1) courtesy Kunstsammlungen Chemnitz
Kunstsammlungen Chemnitz 23. Februar — 25. Mai 2014
Im Jahr 2013 hatte der Fotograf Oliver Mark (*1963) die Gelegenheit, den Künstler K.O. Götz (*1914) mehrere Tage in seinem privaten Lebensumfeld zu besuchen. Es entstanden eindringliche und intime Fotografien, die K.O. Götz ungeschminkt und sehr facettenreich zeigen – stolz und nachdenklich, aber auch zerbrechlich und zart, gezeichnet von einem 100-jährigen schaffensreichen Künstlerleben. Begleitet werden die 18 ausgestellten Bilder von sieben berührenden Gedichten, die K.O. Götz über mehrere Jahre schrieb. Alle Fotografien und Gedichte publizierte Oliver Mark in dem Künstlerbuch „Aus den Trümmern kriecht das Leben“ (2013). Wir danken Rissa und der K.O. Götz und Rissa-Stiftung herzlich für die Ermöglichung dieser Ausstellung.
Anpassung an den Lebensraum, 2014 
Nutte, Künstler, Fotograf, 2014
Oliver Die ganze Wahrheit über Oliver Mark
Nutte Künstler Fotograf
2014 Konzept und Idee Ralf Grauel und Anja Steinig. Erstes Magazin über Oliver Mark
Dieter Hallervorden, Berlin 2013
Aussenseiter und Eingeweihter 2013 /2014
Oliver Mark: Außenseiter und Eingeweihter
Seit vielen Jahren fotografiert Oliver Mark die Prominenten dieser Erde, das Porträtieren der Berühmten ist sein Spezialgebiet. Über die Jahre hat er so das Vertrauen dieser oft ja nicht ganz einfachen Persönlichkeiten gewonnen. Vor seiner Kamera können sie ganz entspannt sein, denn sie wissen, dass es Oliver Mark nicht um Bloßstellung geht, sondern um die durchaus wohlwollende Erfassung der Person und die Darstellung ihrer Individualität. Auf diese Weise wurde er zu einem Eingeweihten in der Sphäre der Prominenz und blieb gleichwohl ein Außenseiter, da doch der Fotograf immer ein etwas abseits stehender Beobachter ist und niemals selbst zum Teil des Bildes wird, das er festhält.
Für die Prominenten-Porträts der Ausstellung "Außenseiter und Eingeweihter" bedient sich Oliver Mark einer ganz ungewöhnlichen und schon ausgestorben geglaubten Technik: Polaroid. Die legendäre Sofortbildkamera, für die dank der Enthusiasten der Firma "Impossible" seit kurzem wieder Filmmaterial hergestellt wird, nachdem Polaroid selbst 2008 die Produktion eingestellt hatte. Mit diesem analogen Material, bei dem jedes Foto ein absolutes Unikat ist, da ja kein Negativ existiert, gelingen Oliver Mark eigentümlich schwebende, manchmal fast den Bereich des Abstrakten berührende Bilder. Die Gesichter der Berühmten, die man schon zur Genüge zu kennen glaubte, erscheinen dem Betrachter noch einmal ganz neu und überraschend menschlich. So menschlich und direkt wie ein analoges Sofortbild: absolut einzigartig und mit der Zeit verblassend.
Für die Ausstellung wurden die Polaroid Bilder mit Hilfe der A1A Printtechnik vergrößert, neu ist die Kombination matter und glänzender Oberflächen, die dem Original am nächsten kommt.
Die Ausstellung Aussenseiter und Eingeweihter wurde gezeigt
pavlovs dog space for photography Berlin vom 02. bis 18. August 2013
Uno Art Space Stuttgart vom 26. Oktober 2013 bis 31. Januar 2014
Shuteye, °CLAIR Gallery, München 2012
Photographien, °CLAIR gallery at ART PARIS 2012
Liechtensteinisches Landesmuseum 2012
Die Ausstellung «Oliver Marks Blick auf Liechtensteins Staatsfeiertag 2012» dauert vom 21. März 2013 bis 25. August 2013
Das Bild zeigt Fürst Hans-Adam II. von Liechtenstein und Fürstin Marie,
Yoko Ono, Berlin 2012
Studio Still III, Berlin 2012
Oliver Mark, Portraits, Neuer Pfaffenhofener Kunstverein, 2011
Max Raabe und Marylin Manson, Berlin 2006
Gelatin silver barite paper, selenium toned, blind stamp, signed
Papersize 60 × 50cm, Editions of 7
7 Artist and 1 Nude, 2011
Einzelausstellung 7 Artist and 1 Nude, Gloria Berlin 2011
Wlada, Berlin 2011
Clemens Krauss, Berlin 2010
Balthus Büste im Victor Hugo Zimmer des Grand Chalet Rossinière 2010
Nicole Hackert, Vicco, Jonathan Messe, Gudny Gudmundsdottir, Marc Brandenburg, und Bruno Brunnet, Berlin 2009
Simon de Pury, Berlin 2008
Elmgreen and Dragset, Berlin 2008
Tom und Bill Kaulitz, Berlin 2007
Mia Farrow, Berlin 2007
Otto Habsburg Lothringen, Pöcking 2006
Kids In the Garden of Princess Mafalda von Hessen, Roma 2006
Kids In the Garden of Princess Mafalda von Hessen was exhibited in the National Portrait Gallery, London 2007
David Lynch, Berlin 2006
Takeover-I, California 2006
Paper size 100 x 80 cm, Ed. of 3, Gelatin silver print
Cate Blanchett, Berlin 2005
Claus Peymann, Berlin 2004
Ridley Scott, Berlin 2005
George Lucas, Berlin 2005
Spike Lee, Berlin 2003
George Tabori, Berlin 2003
Okwui Enwezor, Kassel 2002
Musée de la photographie Mougins, France 2002 -2003
Dominique Gonzalez - Foerster, Paris 2002
Sir Anthony Hopkins, Berlin 2001
Beck, Hamburg 2000
Balthus, Setsuko und Stanislas Klossowski de Rola, Rossinière Schweiz 2000
Andreas Slominski, Hamburg 1999
Tobias Rehberger, Frankfurt am Main 1998
Silbergelatine-Print 19,0 x 23,0 cm, (printed by the artist)
weiße Teller und schwarzer Schatten, 1996 
Gelb, 1996
Louise Bourgeois, New York 1996
Overtown (Miami) I, 1996
Overtown (Miami) I, 1996
Emil Schumacher, Hagen 1995
first Portrait of an Artist, A.R.Penck, Nürnberg 1994
inspired by Helmut Newton, Berlin 1986
Silbergelatine-Print 18,0 x 24,0 cm, Unikat (printed by the artist)
Köln 1984
Erste fotografische Experimente, 1985
'
first portrait, Talia, London 1983 
first photograph, Olympic Games, Munich 1972 
Silbergelatine-Print 12,6 x 9,0 cm, Unikat